Показывает: 41 - 48 из 48 РЕЗУЛЬТАТОВ

Christie’s ставит на Коровина и Верещагина, MacDougall’s — на Шишкина

«Великолепная четверка» аукционных домов подготовила подборку русского искусства к традиционным торгам в Лондоне

За последнее время экономическая ситуация заставила аукционные дома пересмотреть подход к неделе русского искусства. Ценовые рекорды 2006–2008 годов остались в прошлом. Эстимейты стали ниже, а каталоги тоньше, и к выбору лотов теперь подходят более тщательно. Однако аукционные дома подстраиваются под новые условия, делая ставку на имена и качество живописи.
Как и в июне, среди топ-лотов русского аукциона Christie’s 28 ноября оказалась работа Ивана Айвазовского: на торги выставлен небольшой пейзаж «Графская пристань. Севастополь», эстимейт которого составляет всего £80–120 тыс.
С аналогичным эстимейтом выставлен и портрет Марии Таппер кисти Бориса Григорьева. На полотне, написанном в 1934 году, Григорьев изобразил чилийскую художницу, которую учил живописи в период пребывания в Латинской Америке. На прошлой «русской неделе» другая работа художника, портрет философа Льва Шестова, была продана за £122 тыс.
Среди икон выделяется образ, подаренный царевичу Алексею во время его первой поездки в Москву в 1912 году (эстимейт £80–120 тыс.). На иконе XVII века изображены митрополиты Московские Алексей, Иоанни Петр.
Sotheby’s удалось заполучить для аукциона русской живописи 29 ноября достойнейший образец авангарда — картинуАлександра Родченко «Конструкция № 95». Беспредметная композиция успела засветиться на выставке Варвары Степановой и Любови Поповой в Тейт Модерн в 2009 году. В Sotheby’s надеются, что при таких данных коллекционеров не испугает предварительная оценка в £2,5–3 млн.
В каталоге также представлены два небольших пейзажа Ивана Похитонова. Один из них, «Вечер. Украина», принадлежал Ивану Тургеневу, близкому другу художника. Хотя работы Похитонова редко уходят больше чем за £150 тыс., Sotheby’s на этот раз назначил высокие эстимейты — £160–200 тыс. и £200–300 тыс. — выше, чем у Айвазовского на Christie’s. Вероятно, аукционный дом рассчитывает, что коллекционеров привлечет провенанс произведений.
Эти и другие работы из последнего каталога Sotheby’s покажут на предаукционной выставке в Москве с 3 ноября.


Среди топ-лотов аукциона русского искусства MacDougall’s 30 ноября — беспроигрышный «Сосновый лес» Ивана Шишкина(£350–500 тыс.). Как раз за такие монументальные образы залитой солнцем природы коллекционеры и любят художника, так что пейзаж, скорее всего, будет иметь успех.
Есть и необычные лоты. Например, редкий на рынке Василий Тропинин, его «Портрет мужчины в клетчатом жилете» оценен в £150–300 тыс.
Другие заметные произведения в каталоге —«Мифологический пейзаж» Александра Яковлева и портрет Паулы Фрейберг Александра Дейнеки. Последний был включен во все каталоги работ художника.


В каталоге аукциона Bonhams 30 ноября выделяется ранняя работа Николая Рериха 1920 года. Это декорация «Палаты Садко», выполненная для неосуществленной постановки оперы Николая Римского-Корсакова «Садко» в лондонском театре Ковент-Гарден (эстимейт £80–120 тыс.).
Аукционный дом также представляет ряд достойных произведений прикладного искусства. Среди них — серебряный набор для пунша работы Павла Овчинникова, предложенный с предварительной оценкой £90–120 тыс.
Другой лот, «Балерина» Федора Захарова, происходит из коллекции Уини­фрид Бабкок, большой поклонницы и обладательницы самой крупной коллекции работ художника. Захарова в Америке знают лучше, чем в России: художник эмигрировал в 1924 году и с тех пор обосновался в Нью-Йорке. Тем не менее Bonhamsвключает его работы в каталог русского искусства и надеется привлечь к нему внимание коллекционеров.


по материалам TheArtNewsPaper Russua
 

Открытие выставки живописи Андрея Ремнёва «Высокая вода»

Андрей Ремнёв – cовременный российский художник, известный сюжетами обворожительной повседневности традиционного общества России и Европы минувших столетий.
Художественная техника Андрея Ремнева своеобразна тем, что он сочетает приёмы древнерусской иконописи, русской живописи XVIII века и русского конструктивизма.
Подобно художникам прошлого Андрей Ремнев использует в живописи натуральные пигменты, стёртые вручную на яичном желтке.
Андрей Ремнёв собирает воедино культурные аллюзии и намекает на великих предшественников не как ученик или стилизатор, а как чуткий интерпретатор, говорящий в своей собственной манере, на языке, который вызывает душевный отклик в каждом зрителе.
Выставка пройдёт в театральном зале «Центра искусств. Москва»: полотна Андрея Ремнёва будут помещены в экспозицию выставочного проекта «Художественные сокровища России», наряду с шедеврами Айвазовского и Шишкина, Нестерова и Васнецова, Кустодиева и Саврасова и многих других величайших предшественников мастера.
Подробности: https://readymag.com/artcentre/626275

Открытие выставки — 28 октября

Адрес: Волхонка,15, Театральный зал «Центра искусств. Москва»
Сквер Храма Христа Спасителя
Выставка проходит при поддержке Дипломатического клуба Дипломатической Академии МИД РФ

Спецпроект КРУЖЕВО ОТ КУТЮР в рамках выставки «Кружево напоказ»

Двадцать первый век, играющий на контрастах и провоцирующий художников на смелые эксперименты, заставляет современное кружево активно меняться. Изобретенное в период промышленной революции в Англии в XIX веке, машинное кружево сегодня смело входит на территорию современного искусства, проникает в нашу повседневную одежду. Однако ведущую роль оно продолжает играть в сфере высокой моды. Классическое и инновационное, роскошное и манящее, кружево способствует обновлению языка высокого искусства, требует новых экспериментальных технологий производства и по-прежнему занимает самое почетное место в коллекциях мировых брендов XXI века.
Экспозиция «Кружево от кутюр» состоит из двух самостоятельных разделов.
В первом из них демонстрируются эксклюзивные образцы кружева XIX-ХХ веков, видео и фотоматериалы из собрания Музея кружева и моды г. Кале (Франция), представляющие кружевные платья знаменитых модных домов Кристиан Лакруа (Christian Lacroix), Кристиан Диор (Christian Dior), Ив Сен Лоран (Yves Saint-Laurent), Мэгги Руф (Maggy Ruff), Айрис ван Херпен (Iris van Herpen).
Вторую часть экспозиции составит раздел кружева Haute Couture компании Ruffo Coli (Италия), в котором представлены образцы машинного кружева сезона 2015-2016 годов, с уникальной ручной доработкой вышивкой; вечерние и свадебные платья серии уровня Couture Модных домов Gianni Calignano (Италия) и Svetlana Lyalina (Россия).
***
В церемонии открытия выставки примут участие: Анна-Клэр Ларонд (Anne-Claire Laronde) — директор Музея моды и кружева г. Кале (Франция), представители Посольства Франции в Российской Федерации, Французского института в России, а также участники Международной научно-практической конференции «История кружева — история страны», которая состоится в этот же день (подробная информация о конференции в приложении).
Проект осуществляется при поддержке Посольства Франции в Российской Федерации, Французского института в России и Solstudio Textile Design.
***
Музей моды и кружева города Кале (Франция) – один из самых известных мировых музеев декоративно-прикладного и кружева, созданный в Кале для сохранения и продвижения продукции знаменитой кружевной фабрики. В настоящее время музей не только хранит уникальные экспонаты XVIII-XX веков, представляющие практически все этапы машинного кружевоплетения, но и активно сотрудничает с кутюрье всего мира. В выставочных галереях музея представлены произведения таких известных дизайнеров, как Кристобаль Баленсиага (Cristobal Balenciaga), Энн Валери Хэш (Ann Valery Hash), Айрис Ван Херпен (Iris Van Herpen) и многих других.
Фирма Ruffo Coli (Италия) — мировой лидер в области создания роскошных вечерних тканей. Компания, возглавляемая братьями Алессандро и Джулио Коли, существует с 1959 года. Клиентами, партнерами и просто поклонниками Ruffo Coli являются Модные Дома Valentino, Armani, Oscar de la Renta, Dior, Chanel, Emanuel Ungaro, Pierre Cardin, Dolce& Gabbana, Gucci, Prada, Salvatore Ferragamo, Alberta Ferretti и многие другие.
Ткани, используемые известнейшими стилистами, надевают не только звезды Голливуда на вручение премии «Оскар», но и светские знаменитости, даже принцессы. Так, герцогиня Кентская была в платье из ткани Ruffo Coli на свадьбе принца Уильяма и Кейт Миддлтон.


Участники основного проекта «Кружево напоказ»:

  • Государственная Третьяковская Галерея
  • ГБУК г. Москвы «Музей-усадьба Останкино»
  • ГБУК г. Москвы «ГМЗ «Царицыно»
  • Омский областной музей изобразительных искусств имени М.А. Врубеля
  • СПБ ГБУК «Государственный музей-заповедник «Павловск»
  • Мультимедиа Арт Музей
  • Московский музей дизайна
  • Alexander Vassiliev Fondas
  • Московский государственный университет дизайна и технологии
  • Галерея «Три века»

Партнеры основного проекта:

  • ГБУК г. Москвы «Музей В.А. Тропинина и московских художников его времени»
  • ГБУК г. Москвы «Музейно-выставочный центр «Музей моды»

 


Место проведения:

Всероссийский музей декоративно-прикладного и народного искусства
Адрес: ул. Делегатская, 3

3 – 20 ноября 2016

 

Цифровое зазеркалье 2.0

Творческий Союз Художников России, Фонд содействия развитию визуального искусства «Визарт», Компания «Интерактивные цифровые решения», Российская академия художеств, Поволжское отделение Российской академии художеств и Объединение «Выставочные залы Москвы» приглашает в галерею «Нагорная» на «ЦИФРОВОЕ ЗАЗЕРКАЛЬЕ 2.0»
Во вторник 11 октября в 18.00 в галерее «Нагорная» открылся масштабный межрегиональный выставочный проект «ЦИФРОВОЕ ЗАЗЕРКАЛЬЕ 2.0», представляющий новейшие цифровые технологии в изобразительном искусстве.
Впервые в экспозиционной российской практике изобразительных искусств будет использован формат VR-360 градусов, позволяющий зрителю переместиться внутрь плоской картины. Посетители смогут увидеть уникальные видео-арт произведения в формате стерео-лайт-плазменных панелей 4-К, которые заполнят все выставочное пространство галереи.
Одной из ключевых целей проекта «ЦИФРОВОЕ ЗАЗЕРКАЛЬЕ 2.0» является формирование положительного образа России, как на мировой, так и отечественной арт — медиа сцене посредством демонстрации возможностей инновационных цифровых технологий в качестве нового пластического языка создания и трансляции достижений отечественной индустрии в сфере арт — медиа.
Многоуровневый и междисциплинарный проект «ЦИФРОВОЕ ЗАЗЕРКАЛЬЕ 2.0» является продолжением серии проектов «Искусство Высокого разрешения», «Искусство Глубокого погружения 1,2.3.4», «Цифровое зазеркалье-1» и призван показать  широкой зрительской аудитории и профессиональному сообществу возможности новейших технологий в экспериментальном пространстве современного искусства России. В течение ближайших 10 лет проект будет представлен на крупных площадках городов — миллионников: Москвы, Екатеринбурга, Челябинска, Кургана, Новосибирска, Уфы, Казани и т.д., а также выйдет за пределы страны.
Экспозиция состоит из стерео-лайт панелей — картин, выполненных в технологии ультра-хром и инновационных 3D инсталляций, благодаря которым зритель будет иметь возможность погрузиться в скрытый визуальный и анимационный ресурс произведения. Погружение будет обеспечено с помощью стерео-шлема 360 градусов c сенсорной панелью управления, очков виртуальной реальности, а также персонального электронного устройства (смартфона или планшета). Интерактивный режим демонстрации стерео-циркорам посредством экосистемы совместимых устройств позволит зрителю самостоятельно перемещаться в возникающей 3D сцене, насыщенной спецэффектами, динамикой и звуком. Данный способ визуализации предполагает новые практики экспонирования произведения и является инновационным методом презентации цифровых картин.

СПЕЦИАЛЬНАЯ ПРОГРАММА В РАМКАХ ВЫСТАВКИ:

20  октября в 19.00
Мастер — класс «Как создать виртуальную картину»
Ведут: Константин Худяков и компания «Интерактивные цифровые решения»
17 ноября в 19.00
Творческая встреча с художниками проекта
Куратор: Константин Худяков

Об участниках:
Группа АЕС+Ф (Татьяна Арзамасова, Лев Евзович, Евгений Святский, Владимир Фридкес, Георгий Арзамасов) — мировое признание и известность AES+F получили, когда представили в Российском павильоне на Венецианской биеннале 2007 года провокационный, гипнотизирующий проект «Последнее восстание» (2007) – первую из трех масштабных многоканальных видеоинсталляций, демонстрирующих яркое своеобразие эстетики AES+F, а также и возможности новейших технологий.
Вторая работа из серии, «Пир Трималхиона» (2009), также была показана в Венеции в 2009 году, а третья, Allegoria Sacra, дебютировала на 4-й Московской биеннале в 2011 году. Объединенная в «Трилогию Liminal Space», эта ударная серия была впервые представлена в сентябре 2012 года одновременно в Мартин Гропиус Бау в Берлине и в ЦВЗ «Манеж» в Москве, родном городе художников. Трилогия была показана в Музее изящных искусств в Ла-Шо-де-Фон, Швейцария (2014 г.). Совсем недавно все три видео были показаны на Художественная галерея Albright-Knox, Буффало, штат Нью-Йорк (июнь-сентябрь 2015 года). В 2015 году группа AES+F представила новый проект Inverso Mundus на 56-й Венецианской биеннале. AES+F получили премию Сергея Курехина 2011, главный приз Премии Кандинского 2012, главную награду фестиваля NordArt 2014, а также премию Pino Pascali 2015 – все за проект Allegoria Sacra. AES+F были удостоены Бронзовой медали (2005) и Золотой медали (2013) Российской Академии изящных искусств.
Танатос Банионис – группа художников, инкогнито объединившихся под этим названием в 2008 году. Первая работа группы, видеоинсталляция «Пьета», выполнена по заказу галереи «Триумф» для проекта «Царь Иудейский», представленного в рамках ярмарки ARt Moscow в мае 2008. Эта первая работа цикла, получившего название «Полковая часовня». Всего в этой серии художники предполагают создать 7 объектов.
Арт — группа St:ART – является проектом компании «StereoXXI», созданный для расширения репрезентационных возможностей художников, фотографов и дизайнеров, с целью по-новому ощутить уже созданные произведения искусства. На выставке представлено несколько стерео-картин, как пример коллективного творчества в рамках проекта. Сегодня это единственные в мире картины с таким сверхчетким изображением.
Антон Батишев – медиа-художник, лауреат премии им. К.С. Петрова-Водкина Российской академии художеств («Против течения», 2014). В данном проекте показывает головоломные и очень остроумные цифровые произведения в различных материалах и на различных носителях.
Алексей Беляев — Гинтовт – один из самых ярких московских представителей «Новой cерьезности», возникшей в начале 1990-х на берегах Невы. Придерживается идейных взглядов имперского авангарда и левого евразийства, испытывает ностальгическую страсть к знаменам и красно-золотому имперскому колеру, что, впрочем, скорее находится в области эстетических предпочтений, нежели в сфере политических взглядов. Лауреат «Премии Кандинского» за 2008 г. в номинации «Проект года».
Алексей Горяев –  фотохудожник, выпускник МИФИ. Занимается исследованиями в области цифрового искусства (digital art).
Михаил Заикин – архитектор, художник, исповедующий в творчестве академизм как необходимый фундамент для разнообразных цифровых экспериментов. Лауреат премии им. К.С. Петрова-Водкина Российской академии художеств («Против течения», 2012).
Александр Захаров — признанный мастер миниатюры, известен своими работами в различных печатных техниках, в том числе литографии и офорта. За последние несколько лет художник экспериментировал с новыми формами печати.
Александр Сплошнов младший – художник, режиссёр, стереограф, супервайзер VFX и VR. В проекте «Зазеркалье-2» кроме собственных произведений как художник и специалист по виртуальной реальности выполнил VR-форматы для основных участников проекта.
Александр Сплошнов старший — профессор, академик РАЕН, режиссёр, музыкальный продюсер. Организатор и участник множества художественно-выставочных проектов. Номинант премии «ВЕРА» за «Преданность Искусству». Проект «Дискотека 80-х 3D», проведенный при участии Сплошнова А.А. в 2010 г., занесен в книгу рекордов ГИННЕСА, как самый масштабный 3D проект в мире.
Павел Почтеннов, Евгений Терновой, Наталья Терновая — коллектив разработчиков приложений виртуальной и дополненной реальности, компании Интерактивные цифровые решения.
Лара Тимирёва — работает в смешенной технике цифровой живописи и фотографии. При создании своих картин использует очень молодое направление в современном искусстве под названием “Бокетто” (пер. с японского – акт бессмысленного и продолжительного смотрения в даль). На выставке картины в стиле “Бокетто” демонстрируются впервые. Является членом Московского Союза Художников с 2013 года. В 2014 закончила ВГИК, факультет режиссуры. Дебютный игровой фильм «Затмение» стал участником Каннского кинофестиваля в 2015 году.
Ольга Тобрелутс – художник — неоакадемист, занимается исследованием красоты. Лауреат конкурса GRIFFELKUNST в номинации «Лучшая компьютерная графика в Европе».
Константин Худяков – заслуженный художник РФ, действительный член Российской академии художеств, один из родоначальников цифрового искусства (digital art) в России. В данном проекте представит свои наиболее интересные эксперименты в области «чистой» формы и трехмерного пространства в рамках двухмерной «цифровой картины», «дополненной реальности», «мультитач-арт», «Волшебная лупа», «Глаз Ангела-интеллект-3», крупноформатные цифровые стерео-зеркала — 2015.


Проект организован при финансовой поддержке Министерства культуры Российской Федерации и Департамента культуры г. Москвы, а также при технической поддержке Центра современного искусства МАРС.
Организаторы:

  • Творческий союз художников России – общероссийская общественная организация, объединяющая около пятнадцати тысяч профессиональных отечественных художников http://www.tcxp.ru
  • ВИЗАРТ — фонд содействия развитию визуального искусства.
  • Интерактивные цифровые решения — компания специализируется на аудио, видео и световых решениях, а так же разработках интерактивных приложений виртуальной и дополненной реальности.
  • Российская академия художеств – крупнейший государственный центр российской художественной культуры http://www.rah.ru
  • Поволжское отделение Российской академии художеств – региональное отделение Российской академии художеств.

 
Руководитель – Константин Худяков.


Объединение «Выставочные залы Москвы» – государственная организация, объединяющая различные выставочные площадки в едином современном городском пространстве развития визуальной культуры и просветительской деятельности среди жителей и гостей столицы www.vzmoscow.ru


Проект ЦИФРОВОЕ ЗАЗЕРКАЛЬЕ 2.0»
12 октября — 20 ноября 2016 года

Открытие 11 октября в 18.00 — вход свободный
Галерея «Нагорная»
www.galereya-nagornaya.ru
+7 (499) 123-65-69
Ремизова, 10
м «Нагорная»
вт–вс 11:00–20:00


Дополнительная информация и аккредитация:
Анна Чепурная, info.nagornaya@gmail.com, +7 (909) 627-53-46

 

75 лет, как с нами нет Надежды Ламановой

2016 год ознаменован сразу двумя годовщинами, связанными с именем русского и советского модельера, художника театрального костюма Надежды Петровны Ламановой – 155-летием со дня рождения и 75-летием со дня смерти.
По случаю этих годовщин «Вирутальный музей Н.Ламановой» проводит Дни памяти. 15 октября, в 75-ую годовщины со дня смерти Н.Ламановой, на Ваганьковском кладбище пройдѐт «День памяти». В 12 часов состоится панихида на месте захоронения, затем – возложение цветов. Ожидаются представители Музея МХАТ, МВЦ «Музей моды», Музея предпринимателей, меценатов и благотворителей, которые произнесут речи по случаю годовщины.


Надежда Ламанова родилась 27 декабря (14 декабря по с.с.) в селе Шутилово Нижегородской губернии. В начале 80-х годов XIX века Надежда переехала в Москву, где, после обучения в школе кройки и шитья О.А.Суворовой и работы моделисткой одного из столичных портновских заведений, открыла своѐ ателье.
Будучи необыкновенно талантливым художником, Ламанова вскоре снискала славу самой лучшей портнихи не только Москвы, но и Петербурга. В 1898 и 1904 гг. она поулчила звания поставщицы Великой Княгини Елизаветы Фѐдоровны и Императрицы Александры Фѐдоровны соответственно.
С 1901 года по приглашению Саввы Морозова создавала костюмы к постановкам Московского Художественного театра. В 1911 году, будучи подругой французского кутюрье Поля Пуаре, пригласила его в Москву. Доходный дом Ламановой-Каютовой, построенный по заказу Надежды Петровны в 1908 году, ныне принадлежит ТАСС (Тверской бульвар, 10). После революции Ламанова не эмигрировала за границу, а осталась в России.
С 1919 года Надежда Петровна руководила государственной мастерской «Современный костюм» при НарКомПросе, где закладывались основы советского моделирования. В 1923 году мастерской был присужден диплом Государственной Академии Художественных наук. В 1925 году Ламановой был присужден Гран-при Международной выставки декоративно-промышленных искусств в Париже, где она представила платья модных в 20-х силуэтов, но с использованием народных мотивов. В 1927 году Надежде Петровне был присужден почетный диплом юбилейной выставки искусства народов СССР за коллекцию по фольклорным мотивам народов Севера.
Надежда Ламанова сотрудничала с художниками — Александрой Экстер, Верой Мухиной, Елизаветой Якуниной, Варварой Степановой, Александром Родченко, Василием Кандинским, а также с Львом Бакстом и Натальей Гончаровой (до Революции).
Начиная с 20-х годов XX века Ламанова ещѐ активнее работала в театре. Она сотрудничала с театром им. Е.Б.Вахтангова (Принцесса Турандот, Марион де Лорм, Зойкина квартира и др.), Московским Художественным Академическим Театром (Безумный день или женитьба Фигаро, Анна Каренина, Отелло и др.), ГАБТ, Театром Революции, Театром Красной армии и др.
Также Надежда Ламанова создавала в этом время костюмы для кинофильмов – «Аэлита» Я.Протазанова, «Иван Грозный» и «Александр Невский» С.Эйзенштейна и др.
Ламанова проработала до последних дней своей жизни. Скончалась Надежда Петровна 15 октября 1941 года, в первые дни ВОВ, перед зданием Амбулатории Большого Театра на руках своей младшей сестры. Похоронена на Ваганьковском кладбище.
Сегодня работы Ламановой хранятся во многих музеях и частных коллекциях мира: в Государственном Эрмитаже, в Государственном Историческом Музее, в Музее МХАТ, в Музее Москвы, в Музее Предпринимателей, меценатов и благотворителей, в Музее Метрополитен (Нью-Йорк), в частной коллекции А.Васильева и др.
В 2002 году Государственный Эрмитаж организовал выставку работ Н.Ламановой из своей коллекции. Летом 2016 МВЦ «Музей моды» совместно с Музеем МХАТ организовали выставку театральных работ Н.Ламановой, приуроченную к 155-летию художника.
 

Полотно Кандинского выставлено на торги с эстимейтом $18–25 млн

Картина, купленная Соломоном Гуггенхаймом напрямую у художника, станет центральным лотом на ноябрьском аукционе искусства модернизма и импрессионизма Christie’s.
Спустя более полувека полотно Василия Кандинского вернется на рынок на вечерних торгах модернизма и импрессионизма Christie’s, которые пройдут в Нью-Йорке 16 ноября. Картина Rigide et courbé (Негнущееся и согнутое) (1935), написанная в Париже через два года после того, как художник был выслан из Германии, оценивается в $18–25 млн с гарантией.
Соломон Гуггенхайм приобрел эту работу в 1936 году непосредственно у художника, и к 1949 году она успела побывать на восьми выставках в Нью-Йорке, Филадельфии, Питсбурге, Чикаго, Балтиморе и Чарльстоне. Когда в 1964 году Музей Гуггенхайма собирал дополнительные средства, она вошла в число 50 полотен, которые были распроданы на торгах Sotheby’s в Лондоне, что вызвало возмущение нью-йоркского художественного сообщества (в письме к редактору New York Times известие о торгах было названо «шокирующим, скорбным»). С тех пор картина оставалась в собственности одной американской семьи.
Rigide et courbé примечательна своими размерами — почти 115х160 см. Она «входит в категорию крупнейших картин, написанных Кандинским в последние годы», говорит заместитель председателя отдела искусства импрессионизма и модернизма Christie’s Конор Джордан. На сегодняшний день аукционный рекорд Кандинского — картина поменьше, 100х70 см, под названием Studie für Improvisation 8 (Этюд для импровизации 8) (1909), проданная в 2012 году на нью-йоркских торгах Christie’sза $23 млн.
Вероятно, при создании Rigide et courbé Кандинский использовал песок. «Не исключено, что его вдохновило на это творчествоЖоржа Брака, который часто использовал песок, в особенности в полотнах, написанных в 1920–1930-е годы», — поясняет Джордан. Впрочем, художники Баухауса, и Кандинский в том числе, часто экспериментировали с новыми техниками.
Несмотря на то что это абстрактная работа, на ней можно выделить ряд опознаваемых форм, некоторые из них свидетельствуют о том, в какой период она была создана. Группа связанных вертикальных форм в левой части, вероятно, отсылает к «фасции» — связке прутьев с воткнутой в нее секирой, которую фашисты использовали в качестве своего символа. А расположенная в правой части фигура с рогами может служить отсылкой к мифу о похищении Европы.


По материалам The Art Newspaper Russia
 
 

Драгоценное Ar-Deco

В конце сентября в Музеях Московского Кремля открылась экспозиция, посвященная европейскому стилю 1920–1930-х годов. Экспонаты на выставку предоставили ювелирные дома Van Cleef & Arpels и Cartier, а также японский Институт костюма Киото.
Впервые в России проходит столь масштабная выставка ювелирных украшений и женской одежды европейских домов высокой моды межвоенного периода. Наряду с оригинальными предметами представлены авторские эскизы и фотографии из архивов. Интересно, что такой способ демонстрации драгоценностей и предметов одежды как единого ансамбля появился именно в эпоху ар-деко: первый подобный показ состоялся по инициативе Луи Картье и Жанны Ланвен в Павильоне элегантности на выставке 1925 года в Париже. Кстати, эта выставка и дала имя новому стилю: в результате сокращения ее полного названия «Международная выставка декоративного искусства и художественной промышленности» (Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes) появилось слово «ар-деко».
Стиль ар-деко нашел отражение в самых разных видах искусства, но наиболее ярко проявил себя в предметах интерьера, моде и ювелирных изделиях. Приверженцы нового течения: ювелиры, декораторы и модельеры — решительно отказываются от изощренных форм и извилистых линий стиля модерн, но работают с ясными геометрическими формами, придерживаются в своих композициях симметрии и отдают предпочтение ярким и насыщенным цветам. Мастера ар-деко находят вдохновение как в живописи кубистов и абстракционистов, так и в необычных декорациях и костюмах «Русских сезонов» Сергея Дягилева, а также в культурах древних цивилизаций, народных традициях и бурном развитии технического прогресса.
В этот период мода полностью подпала под власть чистой геометрии, и женский костюм, напоминавший кроем рубашку, стал определяться строгой конструктивностью. Новое время породило и новый идеал женщины: она стала самостоятельной и независимой. Парижанки первыми после войны остригли волосы, укоротили юбки и надели платья без рукавов. В 1920–1930-е годы женский костюм открывал широкие возможности для фантазии ювелиров. В моду вошли длинные серьги, тяжелые пояса и браслеты. Исключительную популярность приобрели в этот период наручные часы, которые отличались разнообразием форм, богатством декора и изяществом.
Настоящим триумфом ювелирного искусства ар-деко стала та самая выставка 1925 года. Экспозиция ювелиров размещалась в роскошном здании парижского Гран-пале. Представленные в ней произведения Тамплие, Бушерона, Картье, ван Клифа, Мобуссена и других французских мастеров имели феноменальный успех. Показательно, что высшую награду выставки — золотую медаль получил за украшения в стиле ар-деко парижский ювелир Жорж Мобуссен.
В 1920-х годах ювелиры чаще использовали такие материалы, как эмаль, хром, стекло и пластмасса. Но очень скоро послевоенному «потерянному поколению» потребовалась иллюзия благополучия, которую давали только золото, платина и самые красивые природные камни. Это очень хорошо понимали ювелиры дома Cartier. Произведения Cartier 1920–1930-х годов наглядно демонстрируют основные этапы развития нового стиля. На первом этапе Луи Картье отдавал предпочтение гармоничным композициям и ясным формам. Украшения с простым и четким силуэтом, выполненные из оникса, горного хрусталя, нефрита, кораллов или перламутра, он декорировал бриллиантами и другими драгоценными камнями, тонко подбирая их изысканную цветовую гамму. Впрочем, довольно скоро ювелиры дома отказались от ярких цветов и стали инициаторами появления так называемого стиля белый ар-деко. Контрастные сочетания белой платины и бриллиантов с черным ониксом или черной эмалью — своеобразный мотив, получивший название «шкура пантеры», — применялся при создании брошей в виде пантер или украшений для прически.
Многоцветные драгоценности вновь обрели популярность после возникновения моды на индийские украшения. Тогда появились знаменитые украшения Картье в изобретенной им стилистике тутти-фрутти, они представляли собой яркие многоцветные композиции из резных драгоценных камней. После открытия в 1922 году гробницы Тутанхамонаи последовавшего за этим событием всплеска интереса к Египту фирма начала производить красочные украшения, выполненные в египетском стиле. Среди них — эффектные подвески из пластин нефрита, декорированные алмазами и рубинами, и знаменитая брошь-скарабей из дымчатого кварца с крыльями из голубого фаянса, украшенными бриллиантами.
С эпохой ар-деко связаны и многочисленные достижения ювелирного дома Van Cleef & Arpels. В 1935 году Альфреду ван Клифу и Жюльену Арпельсу удалось изобрести новый вид фиксации драгоценных камней — невидимую закрепку. Этот способ крепления предусматривает специальную огранку подобранных по цвету бриллиантов, сапфиров или рубинов, в которых вытачиваются канавки, позволяющие вставлять камни вплотную друг к другу и таким образом полностью покрывать ими металл, скрывая золотую основу. Новый технологический прием позволил мастерам фирмы создать серию превосходных украшений в стиле ар-деко.
Выставка предметов ювелирного искусства и женского костюма ар-деко развернулась сразу на двух площадках Московского Кремля и продлится с 30 сентября 2016 до 11 января 2017: в выставочном зале Успенской звонницы и в пространстве Одностолпной палаты Патриаршего дворца. В экспозиции представлены вечерние платья и манто, танцевальные и коктейльные ансамбли, а также особая разновидность нарядных платьев, которые появляются в женском гардеробе в эпоху ар-деко под названием «роб-де-стиль» (robe de style). Посетители увидят творения выдающихся европейских домов моды первой трети XX века, а также таких культовых модельеров, как Коко Шанель, Поль Пуаре, сестры Калло, Жанна Ланвeн, сестры Буйе и многие другие.
Предметы одежды предоставлены для выставки одним из самых авторитетных музеев моды в мире — Институтом костюма Киото (Япония), специалисты которого отреставрировали многие экспонаты специально для московского показа.
Ювелирные дома Cartier и Van Cleef & Arpels собрали лучшие украшения в стиле ар-деко периода 1910–1930-х годов. Драгоценности представляют собой как первые и очень редкие произведения, выполненные в духе раннего ар-деко, так и уникальные экстравагантные украшения более позднего времени.


по материалам The Art Newspaper Russia
 
 

«Искусство кукол» — самая крупная выставка кукол в мире


Самая крупная выставка кукол в мире пройдет 11-13 декабря  в историческом центре российской столицы.

Экспозиция общей площадью 14 тысяч квадратных метров развернется в выставочном зале «Гостиный двор». В уникальной выставке «Искусство куклы» примут участие более 1000 мастеров из 26 стран мира, представив посетителям десятки тысяч экспонатов: куклы теневого театра Востока и «кукольные гламуры», промышленные куклы советского периода и традиционные – народов мира, куклы механические и интерьерные, театральные и мультипликационные, а так же антикварные куклы из частных коллекций.

Сегодня кукла – это предмет искусства и коллекционирования. Скульпторы, дизайнеры, графики, живописцы, декораторы обратили своё внимание на куклу. Они открыли для себя в этом предмете огромные возможности для синтеза искусств, для создания нового пластического языка.

Среди коллекционеров куклы известные деятели культуры и шоу-бизнеса: Опра Уинфри, Андрей Макаревич, Алёна Яковлева, Анита Цой, Анастасия Волочкова, Екатерина Андреева, Илзе и Андрис Лиепа, Тамара Гвердцители, Оксана Фёдорова, Ирина Винер, Тереза Дурова, Джонни Депп, Пэрис Хилтон, Деми Мур. Американская актриса даже выстроила отдельный особняк для своего собрания кукол! Кстати, в ее коллекции 16 кукол российской художницы Татьяны Баевой, чьи новые работы будут представлены в Гостином дворе.

Тема выставки этого года – Золотой век кукол. Самые прекрасные, роскошные, изысканные, эксклюзивные, красивые и нежные образы  – воплощение женственности, воплощение совершенства и манящей загадки. Откроет проект премьера новой коллекции великолепных фарфоровых кукол знаменитой художницы Александры Кукиновой «Все оттенки золотого».

«Велико разнообразие оттенков золотого цвета и перечень смысловых значений этих оттенков, удивительны их крайности: от золотого цвета божественного откровения до желтого цвета лжи, болезни и безумия, — говорит Александра, — от теплого красно-золотого цвета солнца, дарящего жизнь, цвета золотых колосьев урожая и царственных одежд до холодного желтого цвета одежды жены палача…».

Имя Александры Кукиновой известно не только российским, но и американским, итальянским, немецким коллекционерам.
У зрителей выставки будет возможность купить куклы и коллекционных мишек Тедди, обучающую литературу, материалы для создания кукол и мишек, аксессуары, подарки на ёлку и под ёлку, сфотографироваться с уникальными куклами, которые после выставки попадут в частные коллекции и навсегда исчезнут из поля зрения публики.

Выставка адресована самому широкому кругу зрителей, здесь будет интересно и искушенному специалисту, коллекционеру, галеристу и художнику, и обычной семье с детьми, которые смогут на одной площадке увидеть все многообразие искусства куклы – искусства позитивного и понятного большинству.


Пресс-служба:
Нелли Смирнова, +7 (963) 965-24-30
79639652430@ya.ru